BIO

Nata nel 1974 a Putignano, lavora come interprete tra teatro, cinema e televisione. Oltre ai ruoli più popolari, come quello di Luisa Gallo in Il Paradiso delle Signore, dal 2011 fa parte del Collettivo Progetto Antigone e racconta la storia di Antigone ai bambini. https://parolesassi.tumblr.com/

Collabora inoltre a diversi progetti artistici e pedagogici legati alla narrazione e cura percorsi di ricerca creativa, inclusiva e interdisciplinare.

https://dibertiec.com/portfolio/caterina-valente

BIO

Born in 1974 in Putignano, she works as an interpreter across theatre, film, and television. In addition to her more popular roles, such as Luisa Gallo in Il Paradiso delle Signore, since 2011 she has been part of the Progetto Antigone Collective, telling the story of Antigone to children.
https://parolesassi.tumblr.com/

She also collaborates on various artistic and educational projects related to storytelling, and curates creative, inclusive, and interdisciplinary research pathways.
https://dibertiec.com/portfolio/caterina-valente

 Cos’è per lei la recitazione?

È essere sempre nella disposizione di imparare, è il più bel modo che conosca per fare esperienza del mondo, il più profondo e organico perché coinvolge tutto ciò di cui siamo fatti: corpo, voce, mamma, papà, la mia bisnonna, gioie, dolori, paure e desideri e lo spettro di tutte le emozioni. È un gioco serio in cui si finge — nell’accezione etimologica della parola fingere che significa immaginare — ma in questo gioco di finzione le emozioni sono vere. Recitare è soprattutto fare emozionare, Artaud diceva che l’attore è un atleta del cuore quindi deve conoscere il suo cuore ma il cuore è un organo così misterioso… e quindi è un percorso di conoscenza che non ha mai fine e richiede forse soprattutto il coraggio di essere fragili. Lo cerco ogni volta, non sempre lo trovo. Questo lavoro ha bisogno del nostro corpo, della nostra voce, della nostra biografia, ha bisogno di noi ma non vuole noi, vuole il nostro potenziale, ciò che potremmo essere, e quindi permette di essere molto di più pur essendo molto meno. Ci chiede di credere a un’illusione, di mettersi nei panni di un’altra persona, di darle in prestito la nostra vita fino a scomparire pur restando profondamente lucidi, vivi e presenti. È uno dei tanti paradossi dell’essere attrice. È allenarsi, studiare, ma anche essere fannullona, vagare senza meta e lasciarsi sorprendere dal sole che tramonta, è cantare con gli amici, è prendere un treno e ascoltare le parole in romanesco di uno sconosciuto che dice: “Per rimorchia’ devi fa’ almeno tre brutte figure ar giorno!”. È vivere, innamorarsi, soffrire, accudire mio padre e ridere alla battuta di mio fratello: “Adesso puoi girare Il Paradiso delle Badanti”. È tornare a studiare in solitudine, trascorrere molti giorni in casa, rinunciare ad andare al mare con gli amici per imparare un testo a memoria, ripetere, scomporre gesti e parole e poi rimetterli insieme. Insomma prima fare tutto quel che si deve fare per poi abbandonarsi all’«accada quel che può».

What is acting to you?

It means always being in a state of learning. It’s the most beautiful way I know to experience the world—deep and organic—because it involves everything we are made of: body, voice, mom, dad, my great-grandmother, joys, sorrows, fears and desires, and the whole spectrum of emotions. It’s a serious game of pretending—in the etymological sense of the word to pretend, which means to imagine—but in this game of make-believe, the emotions are real. Acting is, above all, about making others feel. Artaud said that the actor is an athlete of the heart, so they must know their own heart—but the heart is such a mysterious organ… and so it becomes a never-ending journey of self-discovery that perhaps requires, most of all, the courage to be fragile. I search for that courage every time, though I don’t always find it. This work needs our body, our voice, our biography—it needs us, but it doesn’t want us; it wants our potential, what we could be. And so it allows us to be much more while, in a sense, being much less. It asks us to believe in an illusion, to step into someone else’s shoes, to lend her our life until we disappear—while remaining deeply clear-headed, alive, and present. That’s one of the many paradoxes of being an actress. It’s training, studying—but also being lazy, wandering aimlessly, and letting yourself be surprised by the sunset. It’s singing with friends, taking a train and overhearing a stranger speaking Roman dialect say:
“To pick someone up, you gotta make at least three embarrassing moves a day!”

It’s living, falling in love, suffering, caring for my father, and laughing at my brother’s joke:
“Now you can shoot The Paradise of the Caregivers.”

It’s going back to studying alone, spending many days at home, giving up beach days with friends to memorize a script, repeating, breaking gestures and words apart and putting them back together.
In short, doing everything you must do—so that in the end, you can surrender to the “let whatever happens, happen.”

Tra cinema e televisione qual è secondo lei il valore aggiunto che ciascuna forma d’arte apporta alla vita del pubblico?

Una serie TV si può guardare in solitudine, anche in piedi, mentre stiro o salto con la corda e in qualsiasi momento della giornata, anche il lunedì. Posso parlarci su, anticipare le battute, ridere e piangere in pace, arrabbiarmi coi fantasmi anche ad alta voce e quindi interrompere la visione e tornare indietro se per sfogarmi ho perso il filo. Se è sera mi sdraio sul divano e può succedere che mi addormenti.

Anche al cinema si può dormire ma le poltrone sono più scomode del divano e sarebbe preferibile non russare. Io mi addormento durante i film d’azione e rimango sveglia di fronte alle belle immagini evocative dei film d’autore, quelli che di solito fanno dormire, che hanno pochi dialoghi. Mi chiamano a riempire di senso quei lunghi silenzi, a pormi delle domande, a pensare e, proprio in quei momenti, ricevo rivelazioni importanti dal mio inconscio. E spesso piango, quasi sempre senza avere un fazzoletto…

 Il coinvolgimento emotivo al cinema è più forte, gli occhi degli attori sono più grandi, anche le onde sonore amplificano le sensazioni, insieme alla presenza condivisa con altri spettatori. E magari proprio accanto a te c’è qualcuno che è rimasto sveglio e che piange come te e ti porge un fazzoletto.

Se vai al cinema puoi fare amicizia!

Between cinema and television, what do you think is the unique value each art form brings to the audience’s life?

A TV series can be watched alone, even while standing—while ironing or jumping rope—and at any time of day, even on a Monday. I can talk over it, anticipate the lines, laugh and cry in peace, even argue with ghosts out loud, and then pause and rewind if I lost the thread while venting. If it’s evening, I lie down on the couch—and sometimes I fall asleep.

You can fall asleep at the cinema too, but the seats are less comfortable than a couch, and it’s better not to snore. I fall asleep during action films and stay wide awake in front of the evocative images of art films—the kind that usually put people to sleep—those with little dialogue. They call on me to fill those long silences with meaning, to ask myself questions, to reflect, and in those moments, I often receive important revelations from my subconscious. And I often cry—almost always without a tissue…

The emotional involvement in cinema is stronger: the actors’ eyes are bigger, and the sound waves amplify sensations, all heightened by the shared presence of other spectators. And maybe, right next to you, there’s someone who stayed awake and is crying just like you—and hands you a tissue.

If you go to the cinema, you might even make a friend!

Da quali registi, navigati o emergenti, le piacerebbe essere diretta?

Mi piacerebbe lavorare con registi che coinvolgono attrici e attori nel processo creativo, che dedicano tempo e cura alle prove condivise con altre attrici e attori. Mi viene in mente il cinema di Cassavetes in cui gli attori spesso sul set improvvisavano ma solo dopo essersi conosciuti e aver mangiato insieme, insomma un modo di fare cinema che pone al centro la relazione tra persone.

Ho amato tantissimo Poor Things e il personaggio di Bella Baxter, quindi direi Yorgos Lanthimos ma non solo lui anzi, visto che sto sognando, faccio un piccolo elenco non esaustivo: Martin McDonagh, Pedro Almodòvar, Woody Allen, Gabriele Mainetti, Paolo Virzì, Luca Guadagnino, Céline Sciamma, Noémie Merlant, IldiKò Enyedi, Alice Rohrwacher, Valeria Golino, Laura Bispuri, Saverio Costanzo, Daniele Luchetti, Marco Bellocchio, Edoardo De Angelis…

Which directors, whether established or emerging, would you like to be directed by?

I would love to work with directors who involve actors in the creative process, who dedicate time and care to rehearsals shared with other performers. What comes to mind is Cassavetes’ cinema, where actors often improvised on set—but only after getting to know each other, after eating together. In short, a way of making films that puts human relationships at the center.

I absolutely loved Poor Things and the character of Bella Baxter, so I’d say Yorgos Lanthimos—but not only him. Since I’m dreaming, I’ll make a short, non-exhaustive list:
Martin McDonagh, Pedro Almodóvar, Woody Allen, Gabriele Mainetti, Paolo Virzì, Luca Guadagnino, Céline Sciamma, Noémie Merlant, Ildikó Enyedi, Alice Rohrwacher, Valeria Golino, Laura Bispuri, Saverio Costanzo, Daniele Luchetti, Marco Bellocchio, Edoardo De Angelis…

Il cinema italiano e i giovani d’oggi. Quanto è necessario che i talenti emergenti del nostro panorama, dagli attori ai registi agli sceneggiatori, facciano sentire, citando Salinas, “la voce a loro dovuta”?

La voce dei giovani sul mondo è la più contemporanea che ci sia, quindi è necessaria per immaginare e costruire il futuro. Questo non riguarda solo i mestieri del cinema, credo che gli adulti debbano avere l’onere e l’onore di “vedere” i talenti, di aiutare i giovani a scoprire il proprio daimon e creare luoghi di attenzione e cura in cui poterlo coltivare.

Credo anche che i giovani più consapevoli debbano pretendere che questo accada.

Italian cinema and today’s youth. How important is it that emerging talents in our landscape—from actors to directors to screenwriters—make heard, quoting Salinas, “the voice that is rightfully theirs”?

The voice of young people about the world is the most contemporary one we have, so it is essential in imagining and building the future. This doesn’t apply only to the film industry—I believe that adults have both the duty and the privilege of seeing young talent, of helping them discover their daimon, and of creating spaces of attention and care where that talent can be nurtured.

I also believe that the more self-aware young people must demand that this happens.

Qual è per Lei la fotografia/inquadratura più rappresentativa del cinema?

Non so perché ma in questo momento ne affiorano due di Miracolo a Milano, un classico del neorealismo magico, tra i film più poetici della storia del cinema: gli sfollati che si assiepano per scaldarsi sotto l’unico raggio di sole e poi la scena finale in cui spiccano il volo a cavallo di una scopa verso un regno in cui buongiorno vuol dire veramente buongiorno. Non so se sono le inquadrature più rappresentative ma raccontano cosa può fare il cinema e, nel momento storico che stiamo attraversando, trovo che siano ancora di struggente attualità.

What do you think is the most representative photograph/frame of cinema?

I’m not sure why, but right now two scenes from Miracle in Milan come to mind—a classic of magical neorealism and one of the most poetic films in the history of cinema: the displaced people huddling together to warm themselves under a single ray of sunlight, and the final scene where they take flight on broomsticks toward a land where “good morning” truly means good morning.

I don’t know if these are the most iconic shots, but they speak to what cinema is capable of. And in the historical moment we’re living through, I find them heartbreakingly relevant.